Видеохудожник в театре — новая творческая профессия
Спорить с тем, что театр меняется и вид(е)оизменяется мы, конечно, не станем. Как и демонизировать изменения. Ведь если погрузиться в историю театра, становится понятно, что пространство сцены — это поле для эксперимента самых разных мастеров. Так почему на ней не могут творить видеохудожники?
Это новая для подмостков профессия, которая становится всё более популярной и высокооплачиваемой. Взять такого специалиста в штат сегодня могут лишь единицы театров, чаще всего на помощь приходят профессиональные команды, которые создают проекции под любые, не только сценические, задачи.
Чем занимается видеохудожник в театральной постановке?
В задачи таких специалистов входит создание видеоряда, который будет сопровождать постановку. Это может быть, как реалистичная проекция окружающего героев пространства, так и что-то выходящее за границы привычного: иные миры, видения, фантастические животные. Словом, всё что угодно! Видеохудожник должен создать такие кадры, в которые поверит зритель — это аксиома.
От эскизов к реализации: процесс создания видеоконтента
Видеохудожник, как другие театральные художники, выполняет задачи, которые ставит режиссёр или сценограф. Создание постановки — дело командное, так как все элементы сцены должны работать на общую идею. В процессе создания своих “деталей” выдуманного мира видеохудожникам приходится часто взаимодействовать со звукорежиссёрами, чтобы подобрать подходящие звуки к анимации, а также с другими — если можно так выразиться, классическими — художниками и бутафорами, чтобы не перегрузить сцену и связать все её элементы в единую картину.
Этапы работы, конечно, могут быть различны и зависят от подхода создателя. Классический вариант — начать с эскиза: на бумаге или в графическом редакторе. И тут уже появляется особенность такого вида декораций: если привычные фоновые декорации — нарисованные красками — это чаще всего статичные или малоподвижные объекты, то видеодекорации очень переменчивы, поэтому набросок — это раскадровка, подобная той, что создают перед началом съёмок фильмов.
Motion-дизайн на сцене: оживающие декорации
Режиссёр виртуальной реальности — это ещё одно из десятков имён для фотохудожника — должен быть на “ты” с разными графическими и видеоредакторами, чтобы декорации не выглядели как открытка в мессенджере от бабушки.
Развитию таких технологий на сцене во многом способствовал кинематограф, где уже пару десятков лет активно используют разные технологии при монтаже. Однако, если в кино наложение эффектов происходит уже на постпродакшене, то есть после всех съемок, а зритель видит финальный результат, то в театре “картина” должна органично оживать на глазах у публики.
Сначала на сцене появлялись экраны, которые часто пересвечивали пространство, от чего рушилась атмосфера действа. Сегодня же в театрах используют точечные проекторы, лучи которых можно направить на любой объект, — даже на костюм артиста — и плавно сменить цвет, узор и перевернуть восприятие.
Как motion-графика заменяет традиционные задники
Живой задник сцены — новый тренд. Визуализаторы создают иллюзию живого пространства: теперь не нужно вырезать тысячи бумажных листочков, чтобы заставить шелестеть «Вишнёвый сад» или нанимать массовку, которая будет молчаливо слоняться на заднем плане — всё это можно сделать с помощью проекций, которые становятся всё более реалистичны.
Технологии позволяют расширить границы театрального измерения и перенести действо в другую реальность: например, показать сон персонажа, пока артист “спит” на сцене. Благодаря умелому использованию технологий и графики сцена становится ещё более волшебной. Пространство кардинально меняется бесшовно — без движения громоздких гремящих декораций, так действо может длиться вечно, без антрактов и даже без ухода в темноту.
Интерактивные элементы и их взаимодействие с актёрами
Это ещё один виток развития театра. Новый вектор. Более привычный и распространённый формат — иммерсивные спектакли: где зритель становится частью действия и может почувствовать себя актёром. Использование интерактивных элементов позволяет зрителю ощутить себя ещё и режиссёром — через дополненную реальность и использование приложений публика влияет на ход истории, как в популярных когда-то играх жанра визуальных новелл. Так каждое представление становится уникальным и придя на спектакль под привычным названием можно получить совершенно иной опыт.
Основные цифровые технологии в современном театре
Использование всех современных технологий — процесс, который меняет восприятие театра и делает его возможности буквально безграничными: перенестись во времени, пространстве и перепрыгнуть из реальности в вымысел — пожалуйста!
Видеомэппинг и 3D-проекции
Это технологии, которые заставляют поверить в реальность самых невообразимых проекций: оживить драконов и заставить извергаться вулкан, превратить прекрасного принца в грязного бродягу, запустить космический шаттл и приземлить его на Луну. И всё это возможно сделать на одной сцене и даже в рамках одной постановки — была бы поставлена задача! Всё это возможно благодаря объединению 3D-технологий, видеомеппинга и трекинга. И если с первым всё уже более-менее понятно, то что же представляют собой два последних изобретения?
Видеомэппинг — это проекция изображения на большую поверхность с учётом площади и геометрии. Вы наверняка видели кадры, где на фасады зданий проецируют реконструкцию прошлых веков или счастливого будущего. В театре эту именно эту технологию используют для “покрытия” крупных поверхностей: задника, объёмных декораций, пола.
Трекинг — это сложная система, где изображение фиксируется по определённым точкам на поверхности объекта и следует за ним. Если вы найдёте в сети кадры со съёмок сцен Голлума из «Властелина колец», то увидите множество чёрных точек на костюме и лице исполнителя этой роли Эндрю Серкиса. Это и есть точки фиксации изображения, в 2025 эту технологию усовершенствовали: точки стали почти незаметны, потому их можно разместить практически где угодно и без вреда для визуального восприятия.
VR и AR в театральных постановках
Кажется, это самый передовой шаг для мировой сцены. Потому такие технологии пока можно встретить реже других.
VR позволяет зрителю буквально перенестись в иную реальность: с помощью специальных очков, которые ещё используют для видеоигр. Так публика может стать свидетелями гладиаторских боёв или подслушивать монологи Гамлета из-за угла каменного замка.
AR-технологии напротив, внедряют нереальные объекты в пространство зрительного зала и сцены. Например, пустить в полёт над креслами Тень отца Гамлета.
Умный свет и синхронизация с медиаконтентом
Это вспомогательные ресурсы для создания атмосферы. В систему освещения загружают определённый алгоритм, благодаря которому лампы включаются, гаснут или меняют цвет в зависимости от ритма музыки, стука каблуков или громкости голоса.
Вероятно, вы тоже когда-то мечтали включать и выключать фонари одним хлопком — вот это (и даже больше) и есть умный свет. Синхронная работа приборов с другими объектами сцены также настраивается и подгоняется под общий “бит”.
Преимущества и вызовы цифрового театра
Цифровым прозвали тот театр, который живёт онлайн. О плюсах и минусах такого искусства сейчас ведутся активные споры.
Защитники и популяризаторы такой формы видят в этом возможность сделать театр доступным человеку в любой точке мира: даже полярники, которые долгие месяцы проводят в окружении снегов и льдов, смогут в один миг прикоснуться к искусству и перенестись в зрительный зал любого мирового театра. К тому же такие постановки будут жить вечно и их можно пересматривать бесконечно, находя новые ракурсы.
Противники цифровизации говорят о том, что при таком подходе теряется важное звено — живой контакт, которого в современном мире и так всё меньше. К тому же качество постановки всегда будет зависеть от того, какое устройство использует зритель и насколько хорошая связь в его точке пребывания.
В любом случае, наблюдать за этим феноменом очень интересно.
Как технологии расширяют возможности режиссеров
По сути, единственное ограничение для режиссёров современности — это потолок фантазии. Всё чего существует в реальности, можно визуализировать. Режиссёры в новой — технореальности — становятся творцами неведомых миров, где можно менять пространство нажатием одной или пары кнопок.
Технические сложности и зависимость от оборудования
Использование передовых технологий требует больших финансовых вложений. Постановки с большим количеством оборудования напрямую зависят от качества используемой техники, того, как она настроена и взаимодействуют друг с другом. Также, во многих случаях важно качественное интернет-соединение. Малейшая ошибка или перебой питания и магия будет разрушена.
К тому же специалистов, которые умеют создать качественную видеовизуализацию не хватает на всех, ведь эти технологии сегодня используют в самых разных видах шоу и продакшенах.
Ещё одна сложность — взаимодействие артистов с мультимедийным пространством. Речь и движения должны быть подчинены правилам игры и артистам приходится распространять фокус своего внимания ещё и на такие нюансы. Обучение этому процессу требует дополнительного времени, которого и без того может быть недостаточно для репетиций.
Примеры успешного использования технологий
Как бы скептически не были настроены консерваторы, но театры по всему миру продолжают экспериментировать и всё чаще технологизированные премьеры попадают в списки лучших.
Спектакли-хиты с цифровыми декорациями
Одна из первых постановок в России с использованием технологий VR была создана в 2017. Это «Клетка с попугаями» от режиссёра-экспериментатора Максима Диденко. Спектакль в очках длился всего 8 минут, но за счёт погружения в виртуальную реальность зрители испытывали бурую эмоций и начинали верить в происходящее. Реалистичности добавляло и то, что место действия в спектакле совпадало с локацией, где физический находился зритель — Площадь Сити в Москве.
Через год уже на сцене Театра на Таганке Максим Диденко представил своё прочтение сказки Льюиса Кэрролла: его спектакль «Беги Алиса, беги» получил «Золотую маску» за лучшие костюмы, которые были дополнены элементами цифрового контента. Сюрреалистичный мир показан в постоянно изменяющихся проекциях, которые транслируются на все поверхности сцены. Такие декорации будто видеоигра, в которую хочется продолжать играть.
Возможно, если бы не случилось пандемии, то и цифровизация театра не была бы столь резкой. Именно в тот период многие режиссёры направили свой взор в экраны и пытались найти новые возможности для самовыражения. Так родилась постановка «Три сестры. Финал» — Михаил Рахлин погрузился в изучение виртуальной реальности. А зрителям нужно лишь надеть VR-очки, чтобы оказаться в мире героев, которые всё время что-то говорят, но совсем не слышат друг друга. Наблюдать за, по сути, монологами можно с разных ракурсов, разглядывая персонажей и стараясь разобраться в психологизме истории.
В 2016 в Электротеатре Станиславского создали постановку «4.48 Психоз», которая до сих пор успешно живёт в афише театра. Это история о женщинах, которую рассказывают женщины: очень разного возраста, психотипа и отношения к жизни. Художником-постановщиком и автором проекций выступил Александр Зельдович, представитель междисциплинарной творческой команды AES+F. Перед зрителем не только актрисы, рассказывающие истории, но и графика, которая то поддерживает рассказ, то ломает его: это и сюрреалистичные цветы, и чёрный снег, и потоки крови с молоком. Всё это очень тонко сонастроено со звуком и голосами — режиссёр хотел подчеркнуть проблему того, что сегодняшние мы теряем связь с самими собой и всё чаще “звучим” чужими мыслями и проекциями.
А вот ещё пример. В начале 2025 года Иван Заславец представил свой необычный творческий эксперимент на сцене Александринского. Он передал право прочитать «Чайку» машине, так родился спектакль «Робот Костя 2.0». Числа в названии появились не случайно — за год до премьеры режиссёр начал эксперименты и предлагал работу осмыслить самую разную классику: в итоге “актёр” остановил свой выбор на чеховской нетленке. Постановка дополнена проекциями, световыми иллюминациями и разными эффектами. Благодаря работе команды игра робота действительно вызывает эмпатию и самые разные чувства. Даже в социальных сетях проекта зрителям иронично отвечает сам Костя.
Международные фестивали медиаискусства в театре
Одной из первых стран, где создали фестиваль медиаискусства стала Япония. Ещё в 1997 году там организовал Japan Media Arts Festival, куда ежегодно приезжают авторы аниме, манги, анимации и медиа-арта. Многие годы этот проект является площадкой для международного творческого обмена, вдохновения и переосмысления.
Первый в мире фестиваль, полностью посвящённый цифровому искусству, был создан в Канаде — это Festival of International Virtual & Augmented Reality Stories. Гости фестиваля попадают в мир изменённой реальности: спектакли с использованием VR и AR, видеомэппинг и другие современные технологии — проект объединяет лучших медиахудожников со всего мира, а победителей выбирает зрительское жюри.
В России есть свои международные фестивали, где можно окунуться в современное искусство. В Казани с 2021 года проходит «Нур», организованный студией formate. Ради участия в проекте в столицу Татарстана съезжаются творческие команды из разных стран (в 2025 это были гости из 30 стран). Локациями для представления проекций и другого вида искусства становятся улица города, стены исторических зданий, скверы и даже паруса катеров.
В Санкт-Петербурге появился свой международный фестиваль медиа искусства — Digital Rain, который впервые прошел в конце сентября 2025. Это световые инсталляции, маппинг-шоу, видео и аудио арты и многое другое. Фестиваль проходил на более чем пятнадцати разных площадках города и был совершенно бесплатным для посещения. Кроме того, в рамках фестиваля проходили дискуссии и лектории, которые помогли зрителям лучше разобраться в современном цифровом искусстве.
Громкой критики и опасений о том, что технологии убивают живой театр, становится всё меньше. На первый план выходит иная мысль — прогресс дал импульс, который ведёт театр по параллельному пути. Актёры, сцена и классика никуда не исчезают, а использование сложной графики и создание 3D-артистов это новое направление — “младший брат” привычного театра.
